Utente:LorManLor/Marisol Escobar

Marisol Escobar (Parigi, 22 maggio 1930 – New York, 30 aprile 2016) è stata una scultrice francese di origini venezuelane, che visse e lavorò a New York.^[1][2]

Generalmente ricondotta al movimento pop art americano - fu amica e, a detta di alcuni critici, ispiratrice di Andy Warhol - ha esplorato stili diversiː cultura pop, folk, arte precolombiana.^[3]

Le sue sculture ironiche, realizzate su legno e arricchite da stoffe, gesso, disegni, foto, rappresentano un’idea di femminilità moderna, critica nei confronti dei ruoli di genere tradizionali; assemblano stili e materiali di diversa provenienza per ricordare che non esiste un unico modello femminile.

Al culmine dalla sua popolarità, è andata a vivere in Asia e a Haiti per cinque anni, continuando tuttavia a lavorare fino alla fine della sua vita lontano dai circuiti mediatici.

Ha continuato a creare le sue opere d'arte ed è tornata alla ribalta all'inizio del XXI secolo, quando nel 2014 le è stata dedicata una grande retrospettiva organizzata dal Memphis Brooks Museum of Art.^[3]

Qualche anno dopo la sua morte, avvenuta nel 2016, è stata organizzata una grande mostra retrospettiva itinerante, Marisol: A Retrospective, organizzata dal Buffalo AKG Art Museum, al quale l'artista ha lasciato gran parte di suoi lavori; la mostra iniziata nel 2023 al Montreal Museum of Fine Arts, è proseguita al Toledo Museum of Art, al Buffalo AKG Art Museum e al Dallas Museum of Art (23 febbraio-6 luglio 2025).^[4]

Maria Sol Escobar nacque il 22 maggio 1930 a Parigi, secondogenita di genitori venezuelani.^[5] Il padre, Gustavo Hernandez Escobar, e la madre, Josefina, provenivano da famiglie benestanti e vivevano di rendite derivanti dal petrolio e da investimenti immobiliari, che li portò a viaggiare frequentemente in Europa, negli Stati Uniti e in Venezuela.^[5]

La madre, Josefina Escobar, si suicidò nel 1941, quando Marisol aveva undici anni.^[5][6] La tragedia colpì molto la ragazza; mandata per un anno in collegio dal padre a Long Island, New York, decise di non parlare più, e di rispondere solo, a scuola, a richieste necessarie, e in privato per assolvere sue particolari esigenze. Non parlò regolarmente ad alta voce fino a vent'anni.^[5][6]

Nonostante fosse profondamente traumatizzata, ciò non influenzò il suo talento artistico. Aveva iniziato a disegnare molto presto, incoraggiata dai genitori che erano soliti portarla a visitare i musei.^[5] Vinse diversi premi artistici a scuola e dimostrò talento nel ricamo, trascorrendo almeno tre anni a ricamare l'angolo di una tovaglia.^[5]

Da bambina Marisol era molto religiosa. Durante l'adolescenza, affrontò il trauma della morte della madre camminando sulle ginocchia fino a sanguinare, restando in silenzio per lunghi periodi e legandosi strette delle corde attorno alla vita.^[7]

Dopo la morte della madre e il suo ritorno dal collegio di Long Island, con il fratello maggiore Gustavo e con il padre viaggiò tra New York e Caracas.^[5] Nel 1946, quando aveva sedici anni, si trasferì con la famiglia a Los Angeles, dove venne iscritta alla Marymount High School.^[5] Espulsa dalla scuola perché non riusciva ad adattarsi a questa istituzione, due anni dopo frequentò la Westlake School for Girls.^[5]

La sua educazione artistica iniziò formalmente nel 1946 con corsi serali all'Otis Art Institute e al Jepson Art Institute di Los Angeles, dove studiò con Howard Warshaw e Rico Lebrun.^[5]

Nel 1949 studiò per un anno arte all' École des Beaux-Arts di Parigi, e in seguito ritornò a New York per iniziare gli studi presso l' Art Students League e presso la New School for Social Research, dove fu allieva dell'artista Hans Hofmann, uno dei principali esponenti dell'espressionismo astratto.^[8]

Nel 1951 scopre l'arte delle culture indigene, in particolare i manufatti precolombiani, che da quel momento in poi influenzeranno il suo lavoro.

1953 Si allontana dalla pittura e realizza le sue prime sculture in terracotta, legno e bronzo.

Nel 1958 trascorre due anni a Roma, studiando arte rinascimentale.

1960 ritorno a New York. Influenzati da Robert Rauschenberg e Jasper Johns, gli assemblaggi vengono creati con vari materiali e utilizzando diverse tecniche (legno, plastica, oggetti trovati).

1962 svolta artistica con la mostra personale. alla New York Stable Gallery di Eleanor Ward. Lì incontrò Andy Warhol e prese parte ai suoi primi film sperimentali underground "Kiss" (1963) e "13 Most Beautiful Women" (1964).

1968 Partecipazione a Documenta Kassel e Bienn. Venezia (K), alla quale ha preso parte nuovamente nel 1988. E. crescente ritiro dalla scena artistica newyorkese negli anni '60. Dal 1968 viaggia per diversi anni in Estremo Oriente e in America Centrale e Meridionale.

1981 ritorno a New York. - Nonostante numerosi Contatti, soprattutto con artisti della pop art, e mostre collettive. con A.Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Claes Oldenburg, James Rosenquist e altri, M. rimane un artista solitario che sviluppa il proprio, inconfondibile linguaggio visivo. La sua opera figurale peculiare, spesso socio-critica, contiene elementi cubisti, mostra echi di surrealismo, espressionismo astratto e hard edge, nonché chiare influenze della pop art e della musica latina. arte popolare.

Dopo la fase iniziale della pittura, il M. si dedica quasi esclusivamente alla scultura dal 1953 agli anni '60.

Negli anni '70 furono creati piccoli pesci colorati ed esotici scolpiti nel mogano che riprendono i lineamenti del suo viso, così come grafiche sempre più stampate (serigrafie, lit.) e disegni erotici e violentemente caricati (matite colorate, gessetti), poi prevalentemente figure di grandi dimensioni. assemblaggi.

Il tema centrale che definisce il lavoro di M sono le persone sotto forma di figure individuali o gruppi di figure spesso a grandezza naturale, con i volti evidenziati che hanno un significato speciale. Mentre i primi e gli ultimi lavori sono autobiografici e scritti da Fam.-Darst. sono dominati, soprattutto ritratti di artisti contemporanei ( omaggio) realizzati negli anni '80,di A. Warhol o W. de Kooning, nonché personaggi della vita pubblica (ad es. il vescovo Desmond Tutu) e lavori con storici dell'arte. Sfondo, come l'installazione lunga 9 metri Autoritratto guardando l'Ultima Cena (1982-84), che fa una satira umoristica sull'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Le sculture ridotte, cubiche, dall'aspetto statico e simili a marionette di M sono realizzate in legno, gesso, pittura, disegno e fotografia. e sono abbinati ad oggetti reali come vestiti e scarpe. Abiti e parti del corpo sono spesso dipinti sulle superfici di legno, mentre mani e volti (spesso autoritratti) hanno la forma di calchi in gesso, opposti che creano irritante alienazione.^[9]

Dipinse nello stile dell'espressionismo astratto fino al 1953, quando, ispirata da una mostra di arte precolombiana, decise di dedicarsi alla scultura.^[3] Iniziò a realizzare piccole figure intagliate, sculture in terracotta, bronzo e legno ispirate alla scultura precolombiana e all'arte popolare americana. Il mercante d'arte Leo Castelli, colpito dal suo talento, la incluse in una mostra collettiva del 1957 e le organizzò la sua prima mostra personale lo stesso anno.^[3] Anche se ricevette una buona accoglienza, Marisol venne presa dal panico della fama e lasciò New York per Roma, dove rimase per più di un anno.^[3]

Al suo ritorno iniziò a lavorare su opere di grandezza naturale, ritratti tridimensionali e rappresentazioni di tipi della società, utilizzando l'ispirazione "trovata in fotografie o raccolta da ricordi personali".^[10] Si ispirò ad oggetti che aveva trovato, come un pezzo di legno che divenne la sua scultura della Monna Lisa, e un vecchio divano che si trasformò ne La visita.^[11]

Nel 1962 debuttò con una mostra personale alla Stable Gallery in cui presentò le sue sculture di persone rappresentative dello stile di vita americano, dai Kennedy a una famiglia di contadini del Dustbowl, fino all'artista stessa.^[3] Il Museum of Modern Art e l'Albright-Knox Gallery acquistarono dei pezzi e l'artista venne inserita nella  lista "A Red-Hot Hundred" della rivista Life del 1962.^[3]

Al momento della sua prima mostra personale nel 1962, aveva intravisto l'arsenale di frammenti di corpi in gesso di Rodin nel seminterrato del suo studio di Meudon e incontrato i dipinti Target di volti e di corpi di Johns, i maestosi ambienti di Nevelson e, soprattutto, i Combines everything but the kitchen sink di Rauschenberg.Nel suo lavoro, materiali diversi sovrapposti a gesti disegnati e dipinti generavano assemblaggi basati sui ritratti. Alcuni critici hanno interpretato gli autoritratti di Marisol come monumenti solipsistici di auto-esaltazione, ma questo non le ha impedito di ritrarre se stessa, così come gli altri, con sensibilità e pathos.^[12]

Negli anni '60 Marisol cominciò a essere associata ad artisti pop come Roy Lichtenstein ed Andy Warhol, con il quale aveva stretto amicizia. Prese parte ad alcuni suoi film, tra cui The Kiss (1963) e 13 Most Beautiful Girls (1964).^{[13][14][15][16]}

Una delle sue opere più note di questo periodo è The Party, un'installazione di gruppo a grandezza naturale di figure al Toledo Museum of Art. Tutte le figure, riunite insieme in varie vesti dell'élite sociale, sfoggiano il volto di Marisol. Marisol abbandonò il suo cognome di famiglia, Escobar, per liberarsi dell'identità patrilineare e "distinguersi dalla massa".^[16]

La sua predisposizione verso le forme della Pop Art deriva, in parte, da alcuni dei suoi primi studi artistici, risalenti al periodo in cui studiava con Howard Warshaw al Jepson Art Institute. ^[17] In un articolo che esplora le illustrazioni dell'annuario di una giovanissima Marisol, l'autore Albert Boimes nota l'influenza condivisa, spesso non citata, tra il suo lavoro e quello di altri artisti pop.^[17] Egli ipotizza una forte influenza condivisa sia dalla Ashcan School sia dalla forma del fumetto in generale. Boimes spiega che "Marisol ereditò alcune delle caratteristiche di questa tradizione attraverso la sua formazione sotto Howard Warshaw e Yasuo Kaiyoshi" ^[18] Nota inoltre il profondo effetto che l'arte dei fumetti ebbe sugli artisti pop e sulla stessa Marisol, per non parlare del fatto che le origini del fumetto sono profondamente intrecciate con la Ashcan School, spiegando che, "I pionieri associati alla Ashcan School provenivano dalle stesse radici dei fumettisti pionieri" e che, "quasi tutti iniziarono la loro carriera come fumettisti." ^[17] Scrive che i fumetti e i libri di fumetti, così come i cartoni animati, esercitarono un fascino particolare su un'intera generazione di artisti nati intorno al 1930, tra cui Claes Oldenburg, Mel Ramos, Andy Warhol, Tom Wesselmann, James Rosenquist e, naturalmente, Roy Lichtenstein, il più anziano di questo gruppo," tutti associati in un modo o nell'altro al Pop. ^[17] Boime ha anche aggiunto che "per un periodo Warshaw ha lavorato per la Warner Bros. Animation disegnando Bugs Bunny, e in seguito ha disegnato per la Walt Disney Company ," e che c'erano "... numerosi punti di contatto tra la Disney e il Jepson Art Institute..." ^[19]

Marisol ha attraversato molti movimenti artistici. "Non Pop, non Op, è Marisol!" era il titolo con cui Grace Glueck intitolò il suo articolo sul New York Times nel 1965: ^[10] "Il silenzio era parte integrante del lavoro e della vita di Marisol. Si diceva che non parlasse più del necessario e nel suo lavoro veniva descritta come una che doveva conferire al silenzio 'forma e peso'. Parlava poco della sua carriera e una volta affermò: 'Sono sempre stata molto fortunata. Alla gente piace quello che faccio.'" ^[10]

Nel 1966-67 completò Hugh Hefner, un ritratto scultoreo dell'editore della rivista dedicata alle celebrità. Lo Raffigurò con due copie della sua pipa, il suo marchio di fabbrica, una dipinta e l'altra vera, che sporgeva aggressivamente dalla parte anteriore dell'opera. La scultura è stata presentata sulla copertina della rivista Time del 3 marzo 1967. L'opera è stata acquisita dal Time, ed è ora nella collezione della National Portrait Gallery dello Smithsonian Institution. ^[20] La curatrice Wendy Wick Reaves ha affermato che Escobar "usa sempre umorismo e arguzia per turbarci, per prendere tutte le nostre aspettative su cosa dovrebbe essere uno scultore e cosa dovrebbe essere un ritratto e per confonderle. Quindi quando le viene chiesto perché ci sono due tubi, dice, 'Beh, Hugh Hefner ha troppo di tutto.'" ^[21]

Nel 1968 tenne una mostra personale alla Biennale di Venezia, e al termine di questa intraprese un viaggio in diversi paesi del mondo, sospendendo per cinque anni la sua produzione artistica. Tornata a New York, quando riprese l'attività, sperimentò disegni a matita colorata e a pastello, realizzando opere molto più cupe, personali e violente di prima.^[3]

Verso la fine degli anni '70, tornò ai suoi ritratti scolpiti su larga scala e ai gruppi di figure, ma questa arte figurativa popolare era fuori sincrono con il minimalismo e il concettualismo dell'epoca.^[3]

Continuò a lavorare, inserendo nelle sue sculture ritratti di personaggi pubblici, familiari e amici, come il fotografo kiowa Horace Poolaw, il vescovo Desmond Tutu e altri nel suo caratteristico legno, ma senza la fama dei decenni passati. E dopo la morte del suo storico mercante Sidney Janis, nel 1989, non trovò mai più un equilibrio con un gallerista che capisse e potesse posizionare correttamente il suo lavoro

Nel 1982-1984, il suo rispetto per Leonardo da Vinci la portò a realizzare una rappresentazione scultorea a grandezza naturale di se stessa mentre contemplava il suo tableau a grandezza naturale dell' Ultima Cena.^[22] Realizzò anche un'opera basata sulla Vergine con Sant'Anna di Leonardo da Vinci. ^[10]

Marisol ha ricevuto premi tra cui il Premio Gabriela Mistral del 1997 dall'Organizzazione degli Stati Americani per il suo contributo alla cultura interamericana.^[23] Nel 1978 venne eletta membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Lettere. ^[24] Negli anni Novanta realizzò una serie di sculture in legno, per lo più raffiguranti nativi americani. Due mostre di queste opere non furono ben accolte e lei si sentì incompresa. ^[25] Nel 2004, il lavoro di Marisol è stato presentato al "MoMA at El Museo", una mostra di artisti latinoamericani tenutasi al Museum of Modern Art . ^[26] Il lavoro di Marisol ha attirato un interesse sempre maggiore, inclusa una grande retrospettiva nel 2014 al Memphis Brooks Museum of Art di Memphis, Tennessee, ^[15] che è diventata anche la sua prima mostra personale a New York City, al Museo del Barrio . ^[27]

Escobar visse i suoi ultimi anni nel quartiere TriBeCa di New York City, e verso la fine della sua vita era in condizioni di salute cagionevoli. ^[15] Soffriva del morbo di Alzheimer, ^[14] e morì il 30 aprile 2016 a New York City per polmonite, all'età di 85 anni. ^{[8] [28]}

Nell'aprile 2017, è stato annunciato che l'intera proprietà di Marisol era stata lasciata alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, New York, ora ribattezzata Buffalo AKG Art Museum . ^[29]

Nel 2022, il Pérez Art Museum di Miami ha presentato Marisol and Warhol Take New York, commentando le crescenti carriere artistiche di Escobar e Andy Warhol. In occasione della mostra è stato pubblicato un catalogo di accompagnamento da parte del PAMM.^{[30] [31]}

Oltre alla più grande collezione di sue opere al mondo presso il Buffalo AKG Art Museum, i suoi lavori sono inclusi nelle collezioni del Pérez Art Museum Miami, ^[32] del Metropolitan Museum of Art, ^[33] del Currier Museum of Art, ^[34] dell'ICA Boston, ^[35] del Museum Boijmans Van Beuningen, ^[36] e del Museum of Modern Art, ^[37] tra molti altri.

• Medaglia d'arte Paez 2016 della VAEA (concessa in vita, conferita post mortem) ^[38]

1957 - Prima personale a New York

Nel dopoguerra si assistette al ritorno dei valori tradizionali che ripristinarono i ruoli sociali, conformando razza e genere all’interno della sfera pubblica.^[39] Secondo Holly Williams, le opere scultoree di Marisol giocavano con i ruoli sociali prescritti e le restrizioni affrontate dalle donne durante questo periodo attraverso la sua rappresentazione delle complessità della femminilità. ^[40] Il suo stile combinava arte popolare, dada e surrealismo ed esprimeva una profonda intuizione psicologica sulla vita contemporanea. ^[41]

Esponendo gli aspetti essenziali della femminilità all'interno di un insieme di costruzioni improvvisate, Marisol commentò il costrutto sociale della "donna" come entità instabile.^[42] Utilizzando un assemblaggio di calchi in gesso, blocchi e intagli di legno, disegni, fotografie, vernici e pezzi di abbigliamento contemporaneo, metteva in luce le discontinuità fisiche femminili.^[43] Attraverso una rozza combinazione di materiali, simboleggiava la negazione da parte dell'artista di qualsiasi esistenza coerente di femminilità "essenziale", un'identità - come madre, seduttrice o compagna - che riteneva determinata da un osservatore maschile.^[42][44]

Utilizzando una tecnica femminista, Marisol mise in discussione i valori patriarcali della società attraverso forme di mimetismo.^[43] Imitava ed esagerava i comportamenti della cultura popolare; attraverso una parodia delle donne, della moda e della televisione, tentò di innescare un cambiamento sociale.^[45][42]

Marisol mimò il ruolo della femminilità nel suo gruppo scultoreo Donne e cane, realizzato tra il 1963 e il 1964.^[46] Questo lavoro, tra gli altri, rappresentò una risposta critica satirica alle sembianze della femminilità fabbricata, assumendo deliberatamente il ruolo della "femminilità" al fine di cambiare la sua natura oppressiva.^[45] Tre donne, una bambina e un cane sono presentati come oggetti in mostra, assaporando con sicurezza il loro status sociale sotto lo sguardo del pubblico.^[46] Le donne sono scolpite come calcolatrici e "civilizzate" nel loro modo di fare, monitorando sia se stesse che coloro che le circondano.^[46] Due delle donne hanno addirittura diversi volti calchi, osservano la scena e seguono la traiettoria del soggetto in pieno movimento.^[46] La loro rigida personalità è incarnata all'interno della costruzione in legno.^[46]

La pratica scultorea di Marisol si allontana simultaneamente dal suo soggetto, ma reintroduce anche la presenza dell'artista attraverso una serie di autoritratti presenti in ogni scultura.^[43] A differenza della maggior parte degli artisti pop, Marisol includeva la propria presenza all'interno della critica che produceva. ^[43] Utilizzò il suo corpo come riferimento per una serie di disegni, dipinti, fotografie e calchi.^[47] Questa strategia venne utilizzata come autocritica, ma ha anche identificato chiaramente se stessa come una donna che ha affrontato pregiudizi nelle circostanze attuali.^[41]

Come ha osservato Luce Irigaray nel suo libro Questo sesso che non è uno, "giocare con la mimesi è dunque, per una donna, cercare di recuperare il posto del suo sfruttamento da parte del discorso, senza lasciarsi semplicemente ridurre a esso. Significa rimettersi … a idee su se stessa, che sono elaborate nella/dalla logica maschile, ma in modo da rendere visibile, con un effetto di ripetizione ludica, ciò che si supponeva dovesse restare invisibile". ^[48]

Come molti altri artisti pop, Marisol ha ritagliato, ingrandito, riformulato e replicato i suoi soggetti tratti dalla cultura pop contemporanea e dalla vita di tutti i giorni per concentrarsi sulle loro discontinuità.^[49] Prestare attenzione ad aspetti specifici di un'immagine e/o alle idee al di fuori del loro contesto originale, ha permesso una comprensione approfondita dei messaggi destinati ad essere trasparenti.^[50] Attraverso il suo approccio mimetico, la nozione di “donna” è stata scomposta in significanti individuali al fine di ricomporre visivamente le irregolarità delle parti rappresentative. ^[51] Producendo questi simboli attraverso materiali contrastanti, ha dissociato la "donna" come un'entità ovvia e l'ha presentata piuttosto come un prodotto di una serie di parti simboliche.^[51]

Marisol decostruì ulteriormente l’idea della vera femminilità nel suo gruppo scultoreo The Party (1965-1966), che presentava un gran numero di figure adornate con oggetti trovati dell’ultima moda. ^[52] Sebbene gli abiti, le scarpe, i guanti e i gioielli possano sembrare autentici a prima vista, in realtà sono imitazioni poco costose di beni di consumo presumibilmente preziosi. ^[51] I soggetti sono adornati con materiali per costumi, vernice e fotografie pubblicitarie che suggeriscono un senso di verità inventato. ^[51] Questo stile dissociava le idee di femminilità come autentiche, ma piuttosto considerava il concetto come una ripetizione di idee fittizie. ^[45] Attraverso l'imitazione teatrale e satirica di Marisol, i significanti comuni della "femminilità" vengono spiegati come una logica patriarcale stabilita attraverso una ripetizione della rappresentazione all'interno dei media. ^[45] Incorporandosi in un'opera come facciata "femminile" sotto esame, Marisol ha efficacemente trasmesso un soggetto "femminile" capace di prendere il controllo della propria rappresentazione. ^[45]

Marisol imitava la costruzione immaginaria di ciò che significa essere una donna, così come il ruolo dell'"artista". ^[45] Ciò è stato possibile combinando la sensibilità dell'Action painting, il gesto spontaneo dell'espressione, con lintento freddo e raccolto della Pop art. ^[45] Le sculture di Marisol hanno messo in discussione l'autenticità del sé costruito, suggerendo che fosse invece ideato da parti rappresentative. ^[45] L'arte non veniva utilizzata come piattaforma di espressione personale, ma come un'opportunità per esporre il sé come una creazione immaginata. ^[53] Giustapponendo diversi significanti della femminilità, Marisol ha spiegato il modo in cui la “femminilità” è prodotta culturalmente. ^[45] Ma, incorporando calchi delle sue stesse mani e tratti espressivi nel suo lavoro, ha combinato simboli dell'identità dell' "artista" celebrata in tutta la storia dell'arte. ^[45] Questo approccio ha destabilizzato l’idea della virtù artistica come costruzione retorica della logica maschile.^[45] Pertanto, "cancellò la distanza tra il ruolo della donna e quello dell'artista trattando i segni della mascolinità artistica come non meno contingenti, non meno il prodotto della rappresentazione, di quanto non lo siano i segni della femminilità." ^[45] Marisol ha esposto il merito di un artista come identità fittizia che deve essere messa in atto attraverso la ripetizione di parti rappresentative. ^[45]

La pratica mimetica di Marisol includeva l'imitazione di celebrità come Andy Warhol, John Wayne e il presidente francese Charles de Gaulle, attraverso una serie di ritratti basati su immagini trovate. ^[54] Le sculture si basano su fotografie esistenti, che sono state interpretate dall'artista e trasformate in un nuovo formato materiale. ^[54] Imitando un'immagine di provenienza, la storia carica del soggetto è stata preservata all'interno dell'opera. ^[49] Questo approccio basato sull'utilizzo di informazioni prefabbricate ha permesso al prodotto di conservare il significato di artefatto culturale. ^[49] Inoltre, questo modo di creazione ha aggiunto distanza tra artista e soggetto che ha mantenuto l'aggettivo Pop art, poiché la somiglianza del personaggio era formata puramente dalla somiglianza di una foto. ^[49]

Nell'imitazione scultorea del presidente Charles de Gaulle (1967), ad esempio, come leader della Francia noto per il suo stile di leadership autocratico, ^[54] Marisol scelse deliberatamente un'immagine di de Gaulle, che era noto per essere sempre composto, come un uomo anziano. ^[54] Manipolò le sue caratteristiche cruciali, i suoi manierismi e i suoi attributi per sovvertire efficacemente la sua posizione di potere con una di vulnerabilità. ^[55] I lineamenti di De Gaulle vennero enfatizzati per creare una caricatura, esagerando la sua mascella, distanziando i suoi occhi, restringendo la sua bocca e storcendo la sua cravatta. ^[55] La sua uniforme, la mano fusa e la carrozza statica rendevano la scultura palesemente asimmetrica per suggerire la preoccupazione del pubblico in generale per la correttezza del governo. ^[55] Il pubblico è stato informato dei difetti del soggetto, suggerendo sia una comunanza che una tensione tra il soggetto, il pubblico e lei stessa. ^[41]

La pratica artistica di Marisol è stata spesso esclusa dalla storia dell'arte, sia dai critici d'arte che dalle prime femministe. ^[51] Per le femministe il suo lavoro è stato spesso percepito come una riproduzione di tropi della femminilità da un punto di vista acritico, ripetendo quindi modalità di valorizzazione che speravano di superare, sebbene i critici della Pop art avessero utilizzato la sua "femminilità" come quadro concettuale per distinguere la differenza tra il suo sentimentalismo e quello dell'obiettività dei suoi associati maschi.^{[45] [56]} Marisol ha prodotto commenti sociali satirici in merito al genere e alla razza, circostanza in cui vive essendo una donna di colore. ^[56] Invece di omettere la sua soggettività, ha utilizzato la sua "femminilità" come un modo per decostruire e ridefinire le idee di "donna" e "artista", assumendo il controllo della propria rappresentazione. ^[57]

L'immagine di Marisol è inclusa nell'iconico poster del 1972 Some Living American Women Artistsdi Mary Beth Edelson. ^[58]

Nella Pop art, il ruolo della "donna" era costantemente definito come madre o seduttrice e raramente presentato in termini di prospettiva femminile.^[59] Questa rappresentazione, ambientata all'interno della Pop art, è stata determinata prevalentemente da artisti maschi, che comunemente ritraevano le donne come oggetti sessuali mercificati. ^[40] Come ha spiegato Judy Chicago a Holly Williams nella sua intervista per The Independent nel 2015, c'era molto poco riconoscimento per le artiste donne e per gli artisti di colore.^[40] Fu una delle tante artiste ignorate a causa del canone modernista esistente, che la posizionava al di fuori del nucleo del pop come l'opposto femminile delle sue controparti maschili consolidate. ^[60]

Lavorando in un ambito patriarcale, le donne spesso nascondevano la loro identità di genere per paura che il loro lavoro venisse ridotto a una "sensibilità femminile".^[61] Marisol è stata una delle poche ad abbracciare la sua identità di genere. ^[62] La valutazione critica della pratica di Marisol ha concluso che la sua visione femminile era una ragione per distinguerla dagli altri artisti pop, poiché offriva una satira sentimentale piuttosto che un atteggiamento impassibile.^[61] Come molti artisti dell'epoca temevano, la sensibilità femminile era la ragione per cui Marisol veniva spesso emarginata. ^[63]

I critici d'arte, come Lucy Lippard, cominciarono a riconoscere Marisol in termini di Pop art nel 1965. ^[60] In questo periodo la sua scultura venne riconosciuta in relazione a certi obiettivi pop. ^[64] Tuttavia, Lippard ha parlato principalmente dei modi in cui il lavoro di Marisol si differenziava dalle intenzioni di figure di spicco del pop come Andy Warhol, Frank Stella, Roy Lichtenstein e Donald Judd. ^[60] Lippard ha definito l'artista pop come uno spettatore imparziale della cultura di massa che raffigura la modernità attraverso la parodia, l'umorismo e/o il commento sociale.^[60] Attraverso un atteggiamento oggettivo, sosteneva che un artista poteva mantenere una posizione di distacco 'maschile' dai soggetti raffigurati. ^[60] In quanto artista di colore, i critici hanno distinto Marisol dal Pop come una "primitiva saggia" a causa delle qualità popolari e infantili presenti nelle sue sculture.^[60]

A differenza degli artisti pop del periodo, la scultura di Marisol agiva come una critica satirica della vita contemporanea in cui la sua presenza era inclusa nelle rappresentazioni della femminilità della classe medio-alta.^[65] Allo stesso tempo, includendo la sua presenza personale attraverso fotografie e stampi, l'artista ha illustrato un'autocritica in relazione alle circostanze umane rilevanti per tutti coloro che vivono il "sogno americano". ^[66] Marisol ha rappresentato la vulnerabilità umana che era comune a tutti i soggetti all'interno di una critica femminista e differenziata dal punto di vista maschile controllante dei suoi associati della Pop art. ^[66] Invece di omettere la sua soggettività di donna di colore, Marisol ha ridefinito l'identità femminile realizzando rappresentazioni che prendevano in giro gli stereotipi attuali. ^[40]

La valutazione critica della pratica di Marisol ha concluso che la sua visione femminile era una ragione per distinguerla dagli altri artisti pop, poiché offriva una satira sentimentale piuttosto che un atteggiamento impassibile.^[57] Come molti artisti temevano, questa sensibilità femminile fu la causa della sua emarginazione da parte dei critici, in quanto estranea al quadro concettuale della Pop Art. ^[57] L'arguzia di Marisol fu ignorata in quanto giocosità femminile, quindi, priva dell'obiettività e dell'atteggiamento inespressivo degli artisti pop maschi. ^[57] La loro superiorità maschile veniva celebrata nella sua opposizione alla possibilità di una prospettiva 'femminile' articolata. ^[40] Come Whiting ha ulteriormente chiarito nel suo articolo Figuring Marisol's Femininities, "senza il Pop femminile, non avrebbe potuto esserci un Pop maschile in opposizione; senza la periferia morbida, non avrebbe potuto esserci alcun nucleo duro". ^[57]

• Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Venezuela
• Niki de Saint Phalle

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• Williams, Holly. "Name One Female Pop Artist ..... Go." The Independent (2015): n. pag.
• 'Marisol Escobar- Biography", Rogallery, n.d. Web. September 21, 2015..

• Artnet news obituary
• Articite entry (French language)
• Artcyclopedia entry
• Latin Art Museum page in Spanish
• Pop Art biography
• Sculpture: Portrait of Georgia O'Keeffe, Cast Bronze, 1982